"Родство музыки и живописи"

Звук и цвет всегда сосуществовали в природе и искусстве. Сопоставимы друг с другом тембр в музыке и колорит в живописи, мелодия в музыке и рисунок живописи. Ритм и динамика также являются важными выразительными средствами и музыки, и изобразительного искусства.

Параллели музыки и живописи отмечены еще в Древней Греции (Аристотель) и Индии (ваника, род живописи на музыкальные темы). Более поздние эпохи характеризуются поисками Скрябина в области «цветомузыки»; взаимосвязь музыки и цвета отмечали также Р.Вагнер, А.Белый, М.Чурленис, С.Эйзенштейн. Существует и двусторонняя связь между слуховым и зрительным восприятием. Ее уловили уже художники древности, которые сопровождали звучание музыки различными зрительными демонстрациями.

Музыка способна вызывать у слушателя яркие зрительные представления, что позволяет композиторам создавать «музыкальные картины» (« Рассвет на Москве – реке М.Мусоргского, «Утро» Э.Грига, «Лунный свет» К.Дебюсси, «Игра воды» М.Равеля и др.). В живописи определенное сочетание линий и цветовых пятен могут вызывать у зрителя ощущение звука («звучащая живопись»).

Сопоставляя музыку и живопись, Ж.-Ж. Руссо уподоблял мелодию в музыке рисунку в живописи, Б.В. Асафьев «душу музыки» видел в мелодии, «душу живописи» - в рисунке. М.В. Алпатов говорил, что у А.Рублева цвет «поет», П.И.Чайковский сравнивал мелодию с рисунком, а тембр и гармонию с краской. Музыка и изобразительное искусство обладают значительным педагогическим воздействием, причем в их взаимосвязи это воздействие еще более усиливается.

Интеграция изобразительного искусства и музыки позволяет детям лучше ориентироваться в мире цвета, формы и звуков. Существуют общие законы и правила построения произведений искусства – как изобразительных, так и музыкальных: симметрия, ритм, тональность, акцент, центр композиции. Звук и цвет, музыка и живопись интегрируются на основе общих законов искусства.

Родство музыки и живописи художники ощущали еще в давние времена. Именно они сделали первые шаги к сближению этих сфер искусства, изображая на своих полотнах певцов и музыкантов.

Венецианский художник Бернардо Строцци в 1640 году написал картину «Лютнист», на которой изобразил находящегося во власти музыки молодого музыканта с красивыми руками и вдохновенным лицом.

Английский художник Томас Гейнсборо, создавая портреты аристократов с музыкальными инструментами, часто запечатлевал завершающий момент их музицирования, когда взгляд изображаемых людей был обращен в сторону улетающей мелодии, а слух продолжал улавливать последние затухающий звуки.

К музыкальной теме обращались многие художники разных стран и времен. Известны работы Д.Халса «Домашний концерт», В.Боровиковского «Портрет сестер А.Г. и В.Г. Гагариных, В.Тропинина «Гитарист», П.Пикассо «Три музыканта» и другие.

Но одно дело изобразить музицирующих исполнителей, а другое – увидеть саму музыку. Осуществить этот замысел удалось русскому композитору А.Н.Скрябину, написавшему симфонию «Прометей», исполнение которой сопровождалось вспышками света различной окраски. С помощью пространственно организованного света воплотилась идея восприятия музыкальных произведений разными органами чувств – слухом и зрением. Это привело к рождению нового направления – светомузыки (и цветомузыки).

Литовский художник М.К. Чюрленис стал основоположником музыкальной живописи. Свои впечатления от сонат, фуг, прелюдий он выражал с помощью красок и создал созвучный им мир зримых образов. Плоскость картин позволяет «остановить» музыку во времени для возможности ее обозрения.

Уже в 17 – 18 вв. существовали жанры музыкального портрета и жанровой музыкальной зарисовки. Замечательно изображает море Римский – Корсаков (симфоническая картина «Садко»), сказочные персонажи Лядова(«Баба – Яга», «Кикимора», «Волшебное озеро»). Мусоргский создал цикл по картинам художника Гартмана – «Картинки с выставки».

Людей искусства всегда волновала проблема синтеза музыки и живописи. Наиболее органично этот синтез осуществился в операх и балетах. Хорошо известно, как важны красивые, соответствующие музыке костюмы и декорации в театре. Мировым успехом вначале 20 в. пользовались выступления русского балета в Париже (так называемые «Русский сезоны») под руководством Дягилева. И этот успех вместе с артистами разделили талантливые художники: Бенуа, Бакст, Рерих, создавшие прекрасные костюмы и декорации к балетам Стравинского «Петрушка», «Жар – птица», «Шахерезада» на музыку Римского – Корсакова. Наконец, само нотное письмо имеет много общего с изобразительным искусством, а именно с графикой. Красиво написанный нотный текст производит эстетическое впечатление. Ноты, как и книги, часто украшались живописными миниатюрами, в 11 – 12 вв. их писали на разноцветных строчках. Партитуры некоторых современных композиторов иногда специально демонстрируют в выставочных залах, как произведения графики.

Музыка, как и живопись, передают мысли, чувства и настроения тех, кто ее создает и мысли и чувства тех, кого она изображает. А еще, если попробовать сравнить звучание различных музыкальных инструментов, на которых исполняется одна и та же мелодия, то можно с помощью красок создать узор или какую – то композицию, похожую на звучания того или иного музыкального инструмента. Композитор создает музыку с помощью звуков, а художник пользуется красками.

С младшими школьниками интересно проводить уроки синтезирования музыки и изобразительного искусства. В этом возрасте у детей хорошо развиты фантазия и воображение, они мыслят образами. Для них подойдут такие темы, как «Сказка», «Времена года», «Животный мир» и др.

Более старшим детям можно предложить выполнить зарисовки отдельных музыкальных инструментов, а подросткам- натюрморт с музыкальной атрибутикой.

Затем можно приступать к изображению музыкантов, танцоров, певцов. Занятия должны сопровождаться музыкальным рядом.